Music Corner

Music Corner nº 129 - Red Hot Chili Peppers

2011-09-27T11:03:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Maravilloso, 1A Defectuoso

RED HOT CHILI PEPPERS - “I’M WITH YOU” (2011)
Calificación: AAA

“Queremos a los Chili Peppers! Queremos a los Chili Peppers!” gritaba Barney Gómez en un viejo capítulo de Los Simpson. Y es cierto: queríamos a los Chili Peppers! Cinco años pasaron desde “Stadium Arcadium” (al finalizar la gira de dicho álbum, Flea se fue a estudiar teoría musical a la Universidad de Southern California, Chad grabó y se fue de gira con Chickenfood y Anthony se dedicó a su proyecto autobiográfico) y hacía falta nuevo material de estudio. Sabíamos que los resultados podían ser ambivalentes tras la partida de John Frusciante, quien fue reemplazado por Josh Klinghoffer, segunda guitarra durante el Stadium Arcadium Tour (el título del álbum, “I’m With You”, sería una idea suya).

Esta segunda partida de Frusciante no tuvo los mismos resultados que la anterior: contrariamente a lo que sucedió en su momento con Dave Navarro, en este caso el grupo se aferró más a sus raíces y logró un álbum que alguno podría describir como “en piloto automático”, pero otros podemos entender como un álbum más maduro. Algo lógico para una banda que va por su décimo disco de estudio. RHCP no es solo Frusciante, y además, tiene en Flea uno de los mejores bajistas del rock contemporáneo, que en este álbum también toca el piano (fruto de sus estudios ya mencionados) en temas como “Even You Brutus?” o “Happiness Loves Company”. Rick Rubin (gurú del rap y el heavy metal, considerado “el 5º Pepper") es nuevamente el productor en “I’m With You”, y la idea original era sacar un disco doble como “Stadium Arcadium” aunque finalmente se optó por el disco simple. Tal vez esa sea la razón por la cual se haya elegido una calidad homogénea de temas, habiendo material de sobra. El disco tiene sus picos en temas como “Factory Of Faith”, “The Adventures Of Rain Dance Maggie” (excelente primer corte), “Look Around” o “Dance, Dance, Dance”. Lo más característico Pepper se encuentra en temas como “Ethiopia” (con su pegadizo deletreo; un homenaje de Flea y Josh tras su viaje a dicho país) o “Annie Wants A Baby”, para que nadie se sienta defraudado. Como siempre, letras frescas pero con contenido social.

“I’m With You” es un disco agradable, llevadero, simpático, con bastante energía por momentos, por lo que cumple su objetivo de retorno. Eso si, no descartemos en el futuro un regreso de Frusciante, que bien podría significar un nuevo “Californication” ;)

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25/09/2011

Music Corner nº 128 - Arctic Monkeys

2011-07-29T07:50:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Grosso, 1A Espantoso

ARCTIC MONKEYS - “SUCK IT AND SEE” (2011)
Calificación: AAAA

Cuando escuché el primer álbum de los Arctic Monkeys “Whatever People Say I Am…” (2006), pensé que se trataba de una muy buena bandita de jovenzuelos revoltosos que tenían condiciones para editar un disco, pero que lamentablemente, ya con el segundo me iban a terminar aburriendo. Fue placentero, en este caso, ver como me equivoqué y como los Arctic Monkeys fueron evolucionando disco tras disco, para darme una agradable sorpresa con cada trabajo donde está inmiscuido el destacable Alex Turner.

Y menciono a Alex Turner porque no puedo dejar de destacar el proyecto Last Shadow Puppets (Music Corner Nº 115, mayo de 2008) o la más reciente banda de sonido de la película “Submarine” (2011). No solo ha crecido en el nivel de composiciones que nos ofrece y las letras, sino como cantante, sabiéndose mostrar hoy en día como un performer casi melódico (escúchese “She’s Thunderstorms” o “Love Is A Laserquest” a modo de ejemplo). Más allá de todos estos elogios a su front man, los Arctic Monkeys ofrecen un nuevo álbum provocativo desde el título y algo insípido desde su fachada, pero con un contenido que deleita de punta a punta. A diferencia del primer corte de “Humbug”, esta vez el álbum dio sus primeras pistas con dos temas netamente rockeros y entradores: “Brick By Brick” y “Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair”, demoledores hits. Luego vendría el resto del disco, con reconfortantes resultados. Pareciera que mientras otras bandas contemporáneas de la misma década se encuentran en una meseta (The Strokes) o retroceden en la calidad de sus producciones (Kaiser Chiefs), los AM son capaces de encontrar la vuelta al estancamiento, explorando en el sonido under inglés de otras épocas y siempre vigente, como el de Echo & The Bunnymen (en temas como “That's Where You're Wrong”) o reversionando su propio sonido (como en “Black Treacle”). Nuevamente de la mano del productor James Ford, se revive la frescura de “Favourite Worst Nightmare” (2007) entrelazado con los ambientes más complejos de “Humbug” (2009), logrando una perfecta mixtura.

Menos experimentales y difíciles de elaborar que la última vez, Arctic Monkeys afianza sus bases y conforman a los fans tanto de sus primeras como de sus últimas épocas. “Suck It And See” es de los mejores exponentes del Indie rock de los últimos tiempos.

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25/07/2011

Music Corner nº 127 - Duran Duran

2011-05-13T13:21:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Majestuoso, 1A Bochornoso

DURAN DURAN - “ALL YOU NEED IS NOW” (2011)
Calificación: AAAAA

Actualmente Duran Duran se conforma por 4 de sus miembros originales: Simon Le Bon, Nick Rhodes, John Taylor y Roger Taylor. Este nuevo disco, “All I Need Is Now”, fue originalmente lanzado en formato I-tunes en diciembre de 2010, pero lo comentamos ahora como álbum 2011 dada su edición en formato físico con el agregado de material que no se encontraba en el primer lanzamiento. Y por cierto, material que enriquece aún más este excelente álbum.

El disco anterior de Duran fue “Red Carpet Massacre” (2007): era un muy buen álbum desde las composiciones logradas por la banda, pero lamentablemente bastante de todo este potencial fue desperdiciado desde la producción de Timbaland, que no supo entender las raíces o la base de una banda que ya se ha ganado su lugar en la historia (si a esto agregamos el poco jugo que supo sacarle DD al hecho de contar con uno de los productores más exitosos de los últimos años, el resultado fue bastante triste). Felizmente, en este nuevo disco, se cuenta con el acierto en la producción de Mark Ronson, fan de la banda desde pequeño, que no solo supo respetar esencias del más puro Duran Duran de antaño sino que además supo potenciarlo y hacer algo más que un revival de aquel sonido que sus fans más empedernidos extrañaban. Ya hubo en el pasado algunos pasajes de la banda por el sonido de los inicios de su carrera, pero en “All You Need is Now” se conjugan excelentes composiciones con gran trabajo de producción. “Girl Panic!”, el mejor tema de Duran Duran en años, es una “Girls On Film” aggiornado a los tiempos que corren, pero la genialidad de temas como “The Man Who Stole A Leopard”, “Being Followed”, el mismo “All You Need Is Now”, y el resto de los tracks del álbum, mantienen una alta línea que no decae en ningún momento. Era de temer que con el agregado de nuevos tracks se cometiera algún crimen que manchara esta obra, pero los temas que se incorporaron al formato físico del álbum son dignos del mismo, especialmente “Too Bad You’re So Beautiful”, o “Mediterranea”, un tema que ya se había filtrado antes y que rescata el mood de himnos como “Save A Prayer” u “Ordinary World”.

Por todo lo antedicho, este es un álbum que si recibe la difusión apropiada, está destinado no solo a convertirse en una obra maestra para los seguidores de Duran Duran, sino a incorporar nuevos fans a sus filas. Ojalá tengamos la oportunidad de ver los temas de “All You Need Is Now” en vivo, a esta altura, una necesidad.

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12/05/2011

Music Corner nº 126 - I Blame Coco

2011-04-04T11:08:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Genial, 1A Muy mal

I BLAME COCO - “THE CONSTANT” (2010)
Calificación: AAAA

Es habitual que un “hijo de” sea el resto de su vida solo eso, pero algunas veces, el “hijo de” logra tener peso propio y hasta superar a su padre/madre. Eliot Pauline Sumner, más conocida como “Coco” Sumner, una chica de 20 años nacida en Italia y educada en Inglaterra es, como ya habrán adivinado, la hija de Gordon Sumner. O sea, para ser más claros, es la hija de Sting, de quien provienen sus notorias primeras influencias musicales. Puede que algunos ya la conozcan a través de su perfil en MySpace donde, de adolescente, ya volcaba sus primeras composiciones que en aquella época se emparentaban más con el reggae.

En este primer disco, tras bases mayormente bailables, se esconden influencias post-punk, reggae y ska. La base está, como alguien supo decir. Pero por sobre esto, sus puntos fuertes son: para empezar, su voz. Y la genética no la deja mentir: sus orígenes se perciben, más en el caso de baladas como “Summer Rain”, pero se reconoce una voz muy personal, rica, profunda y gutural por momentos. Y en segundo lugar, pero no menos importante, sus letras. Un buen ejemplo del trato y metáfora que Coco da a sus composiciones arranca con “Selfmachine”: “This motor that you call my heart / Is just another machine that won’t start”. De ahí en adelante, el disco es una seguidilla de potenciales hits: “In Spirit Golden” (uno de los singles, de gran exhuberancia ochentosa), “Turn Your Back On Love” o el hiper pegadizo “Quicker”, otra maravilla de aires retro tan bailable y con toques de piano muy house. Se incluye un gran dúo con la vocalista sueca Robyn en el tema “Caesar” y un delicioso cover de “Only Love Can Break Your Heart” de Neil Young (famosa también por una versión de Saint Etienne), para que no falte un clásico, pero siempre bien adornado con el sonido electro pop que baña todo el álbum.

Podemos definir a “The Constant” como un bien pulido y auspicioso debut. Esperemos que Coco y su banda puedan seguir creciendo musicalmente y desarrollarse más allá de la sombra de su exitoso padre biológico y espiritual: yo le pongo fichas.

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4/04/2011

Music Corner nº 125 - White Lies

2011-03-16T20:33:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Excelente, 1A Malo

WHITE LIES - “RITUAL” (2011)
Calificación: AAAAA

Segunda entrega del trío White Lies, uno de los primeros y mejores lanzamientos del 2011. Siguiendo la línea de “To Lose My Life” (2009), el sonido retro de la primera mitad de los 80´s sigue vivo y sin ánimos de bajar en calidad, evidentemente influenciado por otro gran trabajo de Alan Moulder, excelente productor que supo lograr el mejor sonido oscuro en artistas tan dispares como Depeche Mode, My Bloody Valentine, Smashing Pumpkins o Placebo.

Si bien el disco es muy parejo y mantiene un alto perfil a lo largo de sus 10 impecables temas y casi 50 minutos, existen highlights que no pueden dejar de mencionarse. Al igual que en “To Lose My Life”, se mantiene un clima de tensión en el tema de apertura (“Is Love”) que va subiendo para lograr su primera descarga hacia la mitad del mismo. Pero inmediatamente, cuando estamos tomando aire, el efectivo “Strangers” nos ataca con su ritmo y estribillo pegadizos. ¿Quieren más? Entonces llega el primer single y una de las mejores canciones del álbum, “Bigger Than Us”, pero lejos de aflojar, llega “Peace & Quiet”, y… oh mi dios ¿esos backing vocals no son de Roland Orzabal? ¿Ah no? Pues parece, es el mejor homenaje a la primera etapa de Tears For Fears que he escuchado en bastante tiempo: un tema que genera una ambientación densa que cuando parece que va a terminar, vuelve a arrancar en un toque sublime que llega a emocionar. Suficiente ¿no? No! Ahí llega “Streetlights”, un tema con fuerte aroma a segundo single comparable por su efectividad al “Farewell To The Fairground” del primer disco de la banda. No vale la pena seguir mencionando tema por tema ya que el disco es excelente y no decae, pero destaquemos también “Holy Ghost”, “Turn The Bells” y “Come Down” (otro homenaje al TFF más oscuro de temas como “I Believe”).

En resumen, White Lies es la banda perfecta para todos aquellos amantes de un sonido que mezcle lo tecno ochentoso con el dance más oscuro de aquellos años. Ya lo he dicho: gótico por momentos, darkie por instantes, pero efectivo, “Ritual” se perfila para estar en el top 10 de lo mejor del 2011.

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15/03/2011

Music Corner nº 124 - White Lies

2009-04-23T09:02:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Sensacional, 1A Para Llorar

WHITE LIES - “TO LOSE MY LIFE” (2009)
Calificación: AAAA

Otra vez una agradable sorpresa procedente de Londres, UK. En este caso, se trata del trío White Lies, que mezcla influencias de diversidades como Echo & the Bunnymen, Depeche Mode o Joy Division. Nominados como grupo revelación en los últimos Brit Awards, su sonido está orientado probablemente desde los productores Ed Buller y Max Dingel, quienes han trabajado con dos de las bandas más recomendadas en los últimos tiempos en Music Corner: The Killers y Glasvegas.

Distintas texturas se suceden a lo largo de esta presentación. Como todo buen disco, “To Lose My Life” tiene una gran apertura: “Death”, un tema que genera una tensión in crescendo que recién explota en el tercer minuto. Existe en el disco un abanico de temas retro, como “A Place To Hide” o el hit “Farewell To The Fairground” (que por momentos me retrotrae a “Hold Back The Rain” de Duran Duran) entre otros, tal vez inevitable por sus teclados introductorios. “Fifty On Our Foreheads” y varios tramos destacan por sus teclados ambientales y efectos vintage. “E.S.T.” es uno de varios temas que tranquilamente podría cantar Dave Gahan, pero que musicalmente parece un mix entre The Cure y Kasabian. Aun así, en tracks como “From The Stars” o “ You Still Love Him”, hay un dejo de Roland Orzabal (Tears For Fears) en la voz de Harry McVeigh. Da la sensación que White Lies busca en todo momento ese espacio intermedio casi imperceptible entre la melancolía y el dance. Lo más melancólico y más parecido a Glasvegas es “Nothing To Give”; lo más dance y que incluso ha permitido la edición de remixes algo obvios es “To Lose My Life”, o el ya mencionado “You Still Love Him”. “Unfinished Business” es otro pasaje oscuro, mientras que lo más épico es “The Price of Love”, con arreglos de cuerdas similares a aquel gracioso “Cold Hearted” de Paula Abdul (a no reírse!). Destaca en varios pasajes del disco la performance del baterista Jack Brown.

Con un álbum que ya alcanzó el nº1 en Gran Bretaña, White Lies entra en juego. Gótico por momentos, frío por otros, pero indudablemente efectivo, “To Lose My Life” es un debut a toda máquina, con un irrevocable y positivo “touch” ochentoso.

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30/03/2009

Music Corner n° 123 - Franz Ferdinand

2009-02-02T19:17:00.000-08:00

Recuerden las calificaciones: 5A Tremendo, 1A Horrendo

FRANZ FERDINAND - “TONIGHT: FRANZ FERDINAND” (2009)
Calificación: AAA

El cuarteto de Glasgow encabezado por Alex Kapranos vuelve al ruedo con su tercer disco. Comparados en sus comienzos con Interpol, Franz Ferdinand ha sabido mostrar a través de sus distintos trabajos una evolución y una capacidad de generar hits gancheros que otros grupos de la escenas rock / rock alternativo nunca alcanzaron. Amparados en la calidad de sus producciones, este es aparentemente su mejor logro.

En “Tonight: Franz Ferdinand”, la banda repite las fórmulas que tan exitosas resultaron en el pasado con algún toque innovador. Por empezar, trabajar con gente como Erol Alkan o Dan Carey (Hot Chip, Cansei de Ser Sexy) implica una fuerte apuesta en este sentido: un sonido volátil, pero energético y divertido. El simple “Ulysses” abre el disco es un clásico FF pero con un beat muy definido y entrador. “Turn It On” es más acorde al estilo del primer álbum de la banda. Pero si hay un hit que no pasa desapercibido en este disco es “No You Girls”, del estilo pegadizo como “Do You Want To”, por comparar. Particularmente, son fascinantes los arreglos de “Twilight Omens”, donde nuevamente la diferencia a favor está en la base del tema. En “Live Alone” también está el toque dance, pero a partir de elementos más funk y con un cierto sonido retro-pop como el de “Auf Achse” en el primer disco. Y “Bite Hard” es otro tema que sigue en la línea más FF clásico. La participación de Xenomanía (Girls Aloud) ayuda a dar un toque electrónico al nuevo material, lo cual se refleja particularmente en el track “Lucid Dreams” que tiene todo un epílogo interesante a la hora de cambiar el tempo, y que suele resultar un desafío difícil de plasmar con resultados decentes: solo recuerdo un experimento tan exitoso de estas características en “In Our Gun” de Gomez (2002), pero en el caso de FF, con una base que recuerda a “Radio GaGa” de Queen. A partir de aquí, el disco cae en un pozo que no remonta a lo largo de los dos temas que le dan cierre, lo que es una pena porque solo faltó ese detalle para lograr un disco que tuviera el nivel de los anteriores.

Fue una larga espera de 4 años para que Franz Ferdinand editara su esperado nuevo trabajo. Un álbum con altibajos, especialmente hacia el final del mismo. Para concluir: “Tonight: Franz Ferdinand” es un álbum que contiene temas dignos de ser escuchados. Por suerte, la mayoría.

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(pass: dkwn)

30/01/2009

Music Corner n°122 - The Killers

2008-11-30T09:53:00.000-08:00

Recuerden las calificaciones: 5A Admirable, 1A Execrable

THE KILLERS – DAY & AGE (2008)
Calificación: AAAA

¡Felizmente, parece que el año 2008 va a seguir dándonos alegrías hasta último momento! Fue un año de buenos discos, sin dudas, como hace algunos años no había. Entre ellos, el nuevo lanzamiento del cuarteto de Las Vegas que ha dado un poco de credibilidad al rock norteamericano.

Con el anticipo de “Human”, el mejor tema de The Killers desde “Mr.Brightside”, las altas expectativas generadas por este disco no se vieron defraudadas. Tomando en cuenta que “Hot Fuss” (2004) había sido su más alto logro, “Day & Age” es mejor en líneas generales (aunque difícilmente contiene himnos de la talla de “Hot Fuss”) porque logra contagiar climas y estados de ánimo desde su primera audición, algo que no sucedía en “Sam’s Town” (2006). Exuberante, energético y divertido, este disco tiene todo lo que al anterior le faltó, aunque le permite cobrar el sentido de disco de transición que antes, sin un sucesor, no se podía apreciar en “Sam’s Town”. En esta oportunidad los altibajos no son notorios y mantienen un alto nivel. “Losing Touch” es un digno tema de apertura, incluso sus vientos no son desagradables, y dan lugar a un dance track tan estilo Pet Shop Boys como “Human”. Sigue “Spaceman”, un candidatazo a segundo single, hasta que escuchamos “Joy Ride”, el “Do Ya Think I’m Sexy” de The Killers, que personalmente me retrotrae a la frescura de “Fantastic”, álbum de Wham! que tanto reconocimiento tuvo en el viejo continente. A esta altura nos preguntamos ¿The Killers es una banda dance pop, no eran mas bien rock? A partir de “A Dustland Fairytale” recordamos un poco a los Killers de antaño, pero con “This Is Your Life” volvemos a la base rítmica y pegadiza, y algo de ritmo latino (al mejor estilo David Byrne) en “I Can’t Stay”. En “The World We Live In” parece que Brandon y los suyos recordaron una banda de los ochenta llamada Climie Fischer. “A Crippling Bowl” y “Forget About What I Said” son dos bonus tracks que aparecerán en algunas ediciones y que evitarán que el álbum termine con un extremadamente melancólico “Goodnight, Travel Well”, porque no da que un disco tan positivo termine tan abajo.

Suele suceder que muchas buenas bandas tienen un debut brillante, un segundo disco un poco menos llamativo, y se reafirman con un tercer gran disco. En esta línea me viene a la mente Coldplay, por ejemplo. Con “Day & Age”, parece que The Killers quiere reafirmarse en el puesto de una banda que nos seguirá acompañando con discos motivadores.

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28/11/2008

Music Corner n°121 - Glasvegas

2008-11-04T18:38:00.000-08:00

Recuerden las calificaciones: 5A Fabuloso, 1A Pavoroso

GLASVEGAS – GLASVEGAS (2008)
Calificación: AAAA

Es difícil de entender esa cuestión de estar deprimidos porque sí que tienen los “emos”. En todo caso, si uno lo piensa, es relativo: algunas de las banditas que escuchan son para deprimirse, pero por lo mediocres que son. Sin embargo, la cuestión viene por el lado que a muchos siempre nos han gustado los discos que tienen esa facilidad para tirarnos abajo pero que nos guste (¿masoquismo, tal vez?), y no solamente porque nos hacen acordar a un período triste de nuestra vida. El verdadero merito de un disco “down” es que sea una tristeza que nos sea agradable, no se si me explico...

Y así como bandas tipo My Chemical Romance no serían mucho de no ser por su imagen o sus videos, hay bandas como Glasvegas, a quienes jamás les he visto un video, pero su álbum solo es capaz de crear climas que por momentos nos dejan la piel de pollo. Glasvegas es un cuarteto de Glasgow que consiguió su primer reconocimiento en la escena under cuando NME eligió a “Daddy’s Gone” como el segundo mejor track del año 2007. Su disco homónimo crea permanentemente esas ambientaciones tan dignas de My Bloody Valentine, o momentos rockeros más identificados con The Jesús & Mary Chain. Varias canciones contienen largas secuencias ambientadas (los mejores ejemplos son el primer y el ultimo track del disco) que se construyen o deconstruyen lentamente, para introducirnos en algún punto mas ganchero, o para desembocar en un fade out que conduce a la desintegración. Pero no es solo lo musical lo que destaca: las letras tiene sus momentos que, hábilmente combinados con estos sonidos, pueden generar microclimas tortuosos como en “Flowers & Football Tops” (“You are my sunshine / My only sunshine / You make me happy / When skies are grey... How could they take my sunshine away”), o el single “It’s My Own Cheating Heart…” (“This is the end / With me on my knees and wondering why / Cross my heart, hope to die / It’s my own cheating heart that makes me cry”). Ni hablar de letras como la de “Daddy’s Gone” o “Stabbed” (el nombre lo dice todo). Los momentos melancólicos pero más rockeros se identifican con temas como “Geraldine” o “Lonesome Swan”, impactantes por igual.

¿Para que mirar videos de 30 Seconds To Mars, o Linkin Park, si sabemos que se trata de niñitos harto bancados por la industria y que no sienten ya todo lo que cantan? Prefiero en estos casos los discos de bandas que debutan, como Glasvegas. Y en este caso, con mucho nivel. Disco recomendado.

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31/10/2008

Music Corner nº 120 - Black Kids

2008-10-31T11:31:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Buenísimo!, 1A Pobrísimo...

BLACK KIDS – PARTIE TRAUMATIC (2008)
Calificación: AAAAA

Cada tanto tiempo, la otrora “land of freedom” (USA) nos sorprende agradablemente con algún artista que parece resistirse a la chatura de los charts locales, abundantes en plagios escandalosos y sampleos sin ideas. En la última década, entre los artistas destacados de esta procedencia y orientados a la electrónica o dance, contamos a Moby o a Scissor Sisters. Pues bien, de Jacksonville, Florida, llegan los Black Kids, de lo mejor que se ha generado el ultimo año.

Con una clara influencia ochentosa en distintas líneas que analizaremos, Black Kids es otra banda surgida gracias a MySpace. El quinteto combina un estilo pop sesentoso con las atmósferas new wave de los ochenta, aprovechándose del estilo retro dance que reina en los 00’s. De la mano de Bernard Butler (ex Suede / The Tears) en la producción, “Partie Traumatic” logra un sonido divertido y dance pero al mismo tiempo algo sofisticado (ambiente que se corta con los coritos festivos que inundan el disco). El primer single y hit, “I’m Not Going To Teach Your Boyfriend How To Dance” anticipaba esos brillantes teclados synth-electrónicos que dan espíritu al disco, junto con un punteo hacia la mitad del tema que recuerda a... New Order! Y no es casualidad, el mismo efecto se produce en temas como “Love Me Already”, un tema impecable con un puente instrumental que bordea el adjetivo de obra maestra, ya que también es una clara referencia al bajo de Duran Duran. Pero John Taylor (bajista de Duran Duran) tampoco ha sido casualmente homenajeado, ya que volvemos a escuchar una de sus clásicas líneas promediando “Listen To Your Body Tonight”, otro track de base netamente alegre y saltarina. Pero ¿no es casualmente feliz que Reggie Youngblood, el vocalista (negro!) de Black Kids, tenga canalizaciones onda Robert Smith, de The Cure? Alegría por doquier, pues! Mas no termina ahí: en los momentos donde la voz se torna melancólica, se encuentra también un dejo de Jarvis Cocker... interesante combinación (escuchar “I’m Making Eyes At You). Es un crisol de estilos tan copados, que hasta las desprolijidades quedan bien!!

“Partie Traumatic” es un disco alegre, vigoroso, y sobre todo pegadizo. Un disco que cuanto mas se escucha, mas gusta (considerando además, que gusta de entrada). Un disco (tal vez) pasajero pero altamente efectivo mientras dure. Black Kids: excelente! (aún con pasaporte yankee, pasaron la prueba).

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24/09/2008

Music Corner nº 119 - Cansei de Ser Sexy

2008-09-02T10:23:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Excelente, 1A Decadente

CANSEI DE SER SEXY – DONKEY (2008)
Calificación: AAAA

Tras el espectacular debut con su álbum homónimo en el año 2006, este eléctrico sexteto brasilero regresa para demostrar que aquello que escuchamos antes no fue casualidad. Amigables, festivos y al mismo tiempo exuberantes, los CSS supieron hacerse buena fama en vivo a partir de haber compartido escenario con artistas como Gwen Stefani, Klaxons o Ladytron, o gracias a la utilización de sus temas en singles publicitarios.

Quienes ya comenzaban a extrañar hits como “Let’s Make Love” o “Alala”, pues veían en CSS una frescura sorprendente que contagiaba una alegría inconmensurable (como diría un amigo, “estos chicos son sospechosamente alegres”), ya tienen sobrados motivos para escuchar “Donkey”. Porque este disco no tiene nada que envidiarle al anterior, y lejos de ser repetitivos, CSS siguen arengando el bamboleo de cabeza y cadera. Producido por Adriano Cintra y mezclado por Mark “Spike” Stent (Björk, Massive Attack y Arcade Fire, entre otros trabajos) este disco sigue en la línea del electro-pop de antaño con elementos vintage muy visibles. Arranca con “Jager Yoga” y su irresistible línea de bajo que acompaña el reencuentro con Lovefoxxx (cantante) y su cadencia juguetona. “I Fly” o “Rat Is Dead”, primer adelanto que estuvo disponible en Internet, tienen un efecto algo mas rockero, mientras “Let’s Reggae All Night” deja entrever alguna influencia de No Doubt. El primer single, “Left Behind", es ganchero pero dentro de un pop mas convencional. Si se busca lo mas ganchero, sin duda “Move” es un highlight del mejor synth-pop con algo de Daft Punk. Las letras siguen con el tinte gracioso que se plasmó en el primer disco con temas como “Meeting Paris Hilton” o “Alcohol”: “Patsies and Edinas / High on Vitaminas / Monday at the club / drinking from the tub” (“Jager Yoga”).

“Donkey ” es un disco fácil de escuchar, lleno de cancioncitas que fácilmente se adhieren a la cabeza. Cansei de Ser Sexy y otro disco divertido para alejar el stress de nuestras vidas!

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01/09/2008

Music Corner nº 118 - The Ting Tings

2008-08-14T11:06:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Superior, 1A Lo peor

THE TING TINGS – WE STARTED NOTHING (2008)
Calificación: AAAA

Luego de dos meses de escuchar este disco y no cansarme de hacerlo, he decidido que por muy pop comercial que sea, se merece un comentario bien positivo. The Ting Tings es un dúo proveniente de la prolífera ciudad de Manchester (otro más, y van...), conformado por la cantante y guitarrista Katie White y el baterista Jules De Martino.

Mientras algunas radios locales comenzaron a percatarse de la existencia de un superhit del tamaño de “That’s Not My Name”, este disco ya ha cortado en Europa 3 singles exitosos y va por más. “That’s Not My Name” fue originalmente lanzado en forma independiente en el año 2007, pero no fue hasta que Ting Tings firmó su contrato con Columbia Records cuando, gracias a una difusión masiva, su single “Great DJ” fue un éxito en UK, dejando la puerta abierta para el relanzamiento de su primer single, que esta vez se clavó en el nº1 del UK singles chart. El dúo cultiva un mix entre el dance y el indie pop al estilo Cansei de Ser Sexy, con la base de estribillos muy gancheros y arreglos bien pulidos. Y es tal vez gracias a la actitud y energía de Katie, que los estribillos repetitivos penetran en lugar de hartar. Y aun así, hay lugar para momentos melódicos y casi naives en temas como “Traffic Light”. El otro single, “Shut Up And Let Me Go”, tiene un claro espíritu dance retro tal vez asimilable a Blondie. Pero las melodías calesiteras de “Keep Your Head” o “We Walk” son otros ejemplos de cómo Ting Tings logra un ambiente fiestero, jocoso y hasta irreverente usando una base simple, o bien una base ochentosa y algo melancólica como en “Be The One” (el mid-tempo más ochentoso que he escuchado desde “Cool”de Gwen Stefani, con algo de “You’re All I Have” de Snow Patrol).

“We Started Nothing” es un disco ideal para desparramar buena onda y danzar sanamente. Y por lo que se puede apreciar de su disco debut, The Ting Tings es un dúo cuyo expertise es la producción de singles gancheros. ¿Sabremos mas de ellos en el futuro?

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14/08/2008

Music Corner n°117 - Sigur Rós

2008-07-30T20:41:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Genial, 1A Vulgar

SIGUR RÓS – MED SUD I EYRUM VID SPILUM ENDALAUST (2008)
Calificación: AAA

¿Alguien ha constatado que yo no haya cometido error alguno al escribir el título de este disco? Estoy convencido de que Sigur Rós sería una de las bandas más reconocidas de la actualidad si no cargara con la gran contra cantar sus discos en islandés, un idioma poco amigable para el oído latino en general. Y sin embargo, musicalmente, Sigur Rós no deja de sorprender.

Después de su lanzamiento mundial en 1999 con “Agætis Byrjun” (Music Corner nº 30), un disco aclamado por la crítica como uno de los mejores de ese año, se sucedieron trabajos de gran nivel como “( )” (2002) o “Takk” (2005), que se mantuvieron en la misma línea del disco que les dio renombre y reconocimiento, aunque sin alcanzar su excelsitud. Es recién en “Með Suð í Eyrum Við Spilum Endalaust” (traducido: “Con un zumbido en nuestros oídos tocamos eternamente”) donde se perciben novedades en el sonido de Sigur Rós. Cuando suenan los primeros tambores de “Gobbledigook”, single de difusión y apertura del álbum, no podemos menos que sentirnos sorprendidos de que un grupo de aquellas latitudes haya logrado una samba de estas características, y aun así, una canción pop en toda sus líneas. “Inni Mer Syngur Vitleysinger” (“No tengo idea qué significa esto”) es otra de las grandes novedades a las que nos referimos: tome un poco de Lowgold, agregue una base muy NIN, adorne con violines y con la voz hermafrodita de Jon Thor Birgisson, y obtendrá este sonido con forma de crescendo rabioso. La melancolía y la ambientación polar siguen siendo las fuertes características de Sigur Rós, con la salvedad que hace la diferencia: cada tema tiene su particularidad, y cada instrumento tiene la posibilidad de lucirse en alguna parte del disco. Los vientos en “Festival”, el piano en “Illgresi”, la guitarra acústica en “Fljótavík”... y sin olvidar los coros angelicales, los ambientes épicos y grandilocuentes (“Með Suð í Eyrum”), los picos melancólicos, ni las explosiones corales y orquestales (“Illgresi”, punto alto del disco).

Sigur Rós ha logrado en este disco algo que en trabajos anteriores, gracias quizás a producciones impecables (o por culpa de ellas), no se notaba: ahora suena como una banda, un proyecto menos volátil y mas terrenal. Esto puede calificar a “Með Suð í Eyrum...” como el álbum más accesible del grupo, sin perder su carácter etéreo y atemporal.

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30/07/2008

Music Corner nº 116 - Coldplay

2008-06-30T12:10:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Tremendo, 1A Salí corriendo

COLDPLAY – VIVA LA VIDA OR DEATH AND ALL HIS FRIENDS (2008)
Calificación: AAAA

Los primeros comentarios de Chris Martín y sus compañeros de Coldplay acerca del nuevo disco de su banda previos a que el mismo se editara apuntaban a la idea de algo nuevo, refiriéndose a “X & Y” (2005) como el cierre de una trilogía (perfecta, por cierto). Pero... ¿experimentación? ¿reinvención? ¿revolución, como indica el cuadro de Delacroix de la portada? Había que ver que se traían estos “mozos de restaurante de Palermo Hollywood” entre manos.

El hit anticipo “Violet Hill” se ofreció gratis durante una semana en la página oficial coldplay.com, y fue bajado en esa semana por 2 millones de usuarios. Si bien era un buen anticipo ¿quién osaría comparar “Violet Hill” con primeros cortes de antaño como “In My Place” o “Speed Of Sound”? Sin perder las esperanzas, nos adentramos en la escucha de “Viva La Vida”. De entrada, un primer cambio: apertura con un tema instrumental, “Life In Technicolor”. Luego, uno de los mejores temas del disco, “Cemeteries Of London”, que es un Coldplay clásico con una variante en el beat de batería. “42” es un tema con un cambio de ritmo interesante hacia la mitad, que trata sobre la muerte (¿el tema del álbum?) con líneas como “those who are dead are not dead / there just living inside my head”. Sorprende también la introducción de elementos árabes o latinos en temas como “Yes” o “Strawberry Swing”, pero todo en su justa medida, y sin perder las ambientaciones que han caracterizado siempre a Coldplay y que mejor se reflejan en temas como “Lovers In Japan” o el reciente nº1 en UK “Viva La Vida”.
Coproducido por Brian Eno, se aprecia de entrada una nueva identificación con U2, banda que tanto ha influido a Coldplay. Puede ser normal que hacia el final de “Yes” creamos estar escuchando un tema de Snow Patrol, pero todos sabemos con que banda se hizo famoso aquel sonido.¿Y que es lo que básicamente ha cambiado? La ausencia de excesivos ganchos y la claridad para identificar los singles en producciones anteriores. Por lo tanto, este disco es menos comercial.

Que “Viva La Vida” sea calificado como un álbum muy bueno tiene mas que ver con la inmensa capacidad de Coldplay para lograr resultados prácticamente impecables en cada uno se sus proyectos, y no con lo que comparativamente el álbum ofrece en relación a los 3 trabajos anteriores del grupo. Dicho en otras palabras: el disco es muy bueno, pero menos entrador a primera oída. Habrá que ver cómo madura con el tiempo.

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30/06/2008

Music Corner nº 115 - The Last Shadow Puppets

2008-05-30T11:26:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Fenomenal, 1A Está muy mal...

THE LAST SHADOW PUPPETS – THE AGE OF THE UNDERSTATEMENT (2008)
Calificación: AAAA

Cuando escuché por primera vez el disco de The Last Shadow Puppets quedé tan sorprendido que pensé que se trataba del grupo revelación del año 2008... pero esa voz me sonaba demasiado familiar como para no tardar en darme cuenta que se trataba de Alex Turner, el cantante de los Arctic Monkeys, que junto con Miles Kane de The Rascals dio forma a este proyecto alternativo tan inspirado en el sonido Bowie de otras épocas.

Compañeros de gira durante el último tour de los Arctic Monkeys, Turner y Kane empezaron a escribir las canciones que dieron forma al disco de The Last Shadow Puppets durante la primavera boreal del año pasado, para agregar más tarde la producción de James Ford y la participación en estudios de la London Metropolitan Orchestra, que es por cierto uno de los mayores aciertos en este trabajo. El álbum es sólido en todas sus líneas, sorpresivamente bueno y a la altura de las expectativas que un proyecto de este tipo genera. El primer single y tema que da nombre al disco, “The Age Of The Understatement”, es un claro ejemplo de hasta donde la sublime orquestación puede transportar la mente a ámbitos casi cinematográficos (un “Bonanza” agiornado), línea secuencial que se repite en otros tracks como “In My Room”, que es casi la música de un film de James Bond con algo de extra psicodelia, o en “Black Plant”. Pero también hay frescura con algún aire casi Smithiano en “Standing Next To Me” o “Meeting Place” (un brit pop mas que clásico), o algo mas similar a los pasajes tranquilos (y escasos) de los discos de los Arctic Monkeys, como el suave “The Chamber” o “Calm Like You”. Aun así, no deja de ser algo novedoso y casi experimental para los dos artistas que conforman el dúo.

El álbum de The Last Shadow Puppets ha resultado tan bueno como las 2 producciones previas de los Arctic Monkeys pero sin ser lo mismo. Difícil de encasillar y con un sonido y una producción excelentemente logrados, “The Age Of The Understatement” es una perlita que abre el fuego como uno de los primeros lanzamientos fuertes del summer europeo.

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30/05/2008

Music Corner n° 114 - Madonna

2008-04-30T06:04:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Glorioso, 1A Pecaminoso

MADONNA – HARD CANDY (2008)
Calificación: AAAA

Es un dicho algo popular el comentario sobre que Madonna es una artista que saca un disco muy bueno, un disco mediocre, un disco muy bueno, un disco mediocre... con la excepción de la seguidilla “Ray Of Light” (1998) – “Music” (2000), probablemente los dos mejores discos de su carrera, así se ha dado. Teniendo en cuenta que “Confessions On The Dance Floor” (2005) fue un disco conceptual redondo y casi perfectamente logrado, ¿qué se puede esperar del novísimo “Hard Candy”?

Probablemente, un disco mas de Madonna, pero ubicado en tiempo y lugar, muy representativo de sus tiempos. Como siempre, Madonna no pierde el tren de los tiempos y se rodea de la gente adecuada para sonar siempre actual. Su enamoramiento con Pharrell Williams, y su elección de trabajar con el productor de moda Timbaland y el casi inseparable Justin Timberlake (seguramente Madonna fue inspirada por el resultado obtenido por Nelly Furtado en su disco “Loose”), han posibilitado que este álbum suene distinto a cualquier producción anterior. Y afortunadamente, no hace falta ser un fan del hip-hop para disfrutar de “Hard Candy”, ya que Madonna no traiciona (como muchos pensábamos) a sus fieles seguidores, ya sean dance floor addicts, o pop addicts. La carta de presentación es el actual n°1 en UK “4 Minutes” a dúo con Justin Timberlake, un hit por donde se lo mire: divertido, entrador, y hasta con una lírica ligeramente comprometida. Pero a no creer que el disco es más de lo mismo: a diferencia de “Confessions On The Dance Floor”, “Hard Candy” va variando en todas sus líneas y estados de ánimo. “Give It To Me”, el próximo corte, es un tema que a la segunda oída ya estamos tarareando, un dance track perfecto. “Heartbeat” es una mezcla de un ritmo ochentoso con un hip-hop ligero, felizmente entrador. “Miles Away” es casi el “Love Profusion” de este disco, con su frontal guitarra acústica y una Madonna otra vez inspirada en el canto. “She’s Not Me” es un punto algo flojo, previsible y algo cheap (ese pito con palmaditas que suena hacia la mitad del tema es muy feo, una versión barata de “Celebration” de Kool & The Gang, solo que 25 años después), solo equiparable a “Spanish Lessons” en cuanto a flojedad (Madonna no entendió que no canta bien en español, y que “La Isla Bonita” y “Who’s That Girl” fueron perdonables solo porque fueron major hits). Pero el resto del disco, incluyendo temas como “Incredible”, el discomaníaco “Dance 2Night” y “Beat Goes On” (una versión muy distinta y mejorada de la que viene dando vueltas hace meses por Internet) hacen de “Hard Candy” un gran disco.

En resumen, se puede decir que todo el disco es atrapador y ganchero. Madonna se despide de Warner, su discográfica durante los últimos 25 años, con un disco que seguramente les dejará buenos dividendos. Y al que muchos en el hemisferio norte, ya están empezando a bautizar como “el disco del verano”.

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30/04/2008

Music Corner n° 113 - Rascal Flatts

2008-03-31T18:15:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Majestuoso, 1A Bochornoso

RASCAL FLATTS – BEST OF BALLADS (2007)
Calificación: AAA

“Que vuelvan los lentos”, proclamó una campaña publicitaria por ahí... incluso hubo quienes se juntaron en el Planetario de la Ciudad de Buenos Aires bajo dicha consigna…y claro, hay mucha gente que disfruta de los lentos. Y entonces, ¿no se podría hacer un disco todo de lentos, como aquellos compilados “Krushel Rock” con los mejores lentos de los ’80, que algunos debimos padecer,?

Pues bien, este álbum de Rascal Flatts es un disco compuesto solo por lentos! Este trío norteamericano básicamente country originario de Columbia, prácticamente desconocido por estas latitudes (aunque con 5 discos editados desde el año 2000 en USA), lanza una recopilación de sus mejores baladas, de ahí el obvio título de “Best of Ballads”. No hay mayores secretos, y para una banda que ha sabido lograr un buen mix de country, R & B y pop, los resultados son muy promisorios. Imaginen las mejores baladas de Take That, Westife y Boyzone, pónganlas todas en un mismo disco, y obtendrán tal vez algo similar. Constituyen los mejores ejemplos de esta comparación los dos tracks que abren el disco: “What Hurts The Most” y “Bless The Broken Road”, ambos rotundos hits. Pese a ser catalogada como una banda country, el sonido característico de dicho estilo se nota fuertemente solo en algunos pasajes, como “My Worst Fear” o “I Melt”, porque en general el sonido es netamente pop. Y no hay nada mas que decir, salvo recomendar a algún treintañero o cuarentón que extrañaba los disco de Air Supply, que no se lo pierda. No sin antes advertirle que un disco de Cat Stevens puede ser mucho más bolichero que este disco en sus momentos más frenéticos (si se los encuentra…).

La consigna es clara: dejarse atrapar por un momento romántico y disfrutar de melodías tranquilas y al mismo tiempo entradoras. Rascal Flatts consigue este objetivo en un disco que puede ser una buena carta de presentación para quienes piden a los gritos “Queremos bailar lentos!”.

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31/03/2008

Music Corner nº 112 - Scouting For Girls

2008-02-27T09:36:00.000-08:00

Recuerden las calificaciones: 5A Grosso, 1A Espantoso

SCOUTING FOR GIRLS – SCOUTING FOR GIRLS (2007)
Calificación: AAAA

Después del éxito de bandas como Busted o McFly, parecía que los intentos por llevar el brit pop de sonido más áspero a un terreno verdaderamente fácil de digerir y “pop” propiamente dicho, no tenían muchas alternativas. Es un hecho que para muchos, bandas como Oasis, Hard-Fi o Kasabian pueden sonar un tanto pesadas (el extremo más aparatoso fue un personaje que conocí hace años, al cual le hice escuchar “Up In The Sky” de Oasis y me preguntó: “¿Esto que es? ¿Van Halen?”). Pues bien, Scouting For Girls parece lograr este ansiado equilibrio.

Bien podríamos decir que Scouting For Girls es una especie de mezcla entre el brit rock anárquico de Arctic Monkeys y las melancólicas melodías de Embrace, destacándose por su perseverante piano pop y sus ritmos gancheros. La armonía en todos los temas y los coros pegadizos son carácterísticos en este disco. El estilo retro para componer canciones alegres es lo que separa a SFG de contemporáneos como Keane o los mencionados Embrace. “Keep On Walking” arranca el álbum con altura, para dar paso al pegajoso single “She’s So Lovely”, y casi sin respiro, se sucede el siguiente corte y mejor tema del disco, “It’s Not About You” (cuya melodía por algún extraño motivo me recuerda a “Cuanto tiempo más llevará” de Serú Girán) que nuevamente machaca con su “ I guess we got / I guess we got / I guess we got / Nothing to say”. La fórmula se repite en “The Airplane Song”, “Hearbeat” y “Elvis Ain’t Dead”, y el júbilo se sucede tema tras tema.
SFG prueba que el tan gastado recurso de repetir frases cientos de veces es la mejor manera de entrar en la cabeza y hacer sacudir los pies. Cada tema a lo largo del disco logra largamente ese objetivo. El cierre nos depara una sorpresa: un homenaje a James Bond, con su estribillo “I wish I was James Bond / Just for the day / Kissing all the girls / Blow the bad guys away”, y sin olvidar la mención de cada uno de los actores de la saga.

Lo que hace un año imponía The Fratellis con su disco “Costello Music”, este año va de la mano de “Scouting For Girls”, solo que un tanto menos rockero, ya que este álbum es guiado por el piano más que por la guitarra. Como sea, buenos augurios para el disco debut de SFG, que ya fue nº1 en UK.

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26/02/2008

Music Corner nº 111 - Kylie Minogue

2008-01-25T07:05:00.000-08:00

Recuerden las calificaciones: 5A Loable, 1A Lamentable

KYLIE MINOGUE – X (2007)
Calificación: AAAA

La diva australiana, recuperada de un tumor mamario que la mantuvo alejada de los estudios y los escenarios por un par de años, regresa con un disco que viene a reconfirmar su rol protagónico en el mundo del pop bailable, y que la coloca nuevamente en el segundo lugar del podio tras Madonna. Su anterior producción “Body Language” (2003) fue un bajón inexplicable para muchos, una fuga de ideas poco originales que no terminaba de cerrar y que no se condecía con el megaexitoso “Fever” (2001) que lo precedía.

El desesperado intento de Kylie Minogue por lograr un sonido similar a Goldfrapp en “2 Hearts”, el primer single, quitó brillo a las expectativas que podían tenerse respecto a “X”. Pero afortunadamente, el disco está muy por encima de lo que “2 Hearts” anticipaba. Y ya arranca desde el segundo track, “Like A Drug” y su sample de “Fade To Grey” de Visage, y continúa aún mejor con el irresistible “In My Arms”, potencial corte. Sin aflojar ni un poco, “Speakerphone” prepara el terreno para el mejor homenaje sampleado al “Bonnie & Clyde” de Serge Gainsbourg, aquí titulado “Sensitized”. Llegamos entonces al track blackie del álbum “Heart Beat Rock”, el tema que podrían haber hecho Justin Timberlake con su inseparable Timbaland, pero con resultados nefastos: en este caso, Kylie toma lo bueno de la música negra contemporánea yankee y demuestra que el buen gusto puede aplicarse hasta a un guiso de mondongo (bueno, no se si tanto). Continua con “The One”, un Kylie bien clásico con toques Abba, y de la misma onda aunque aún más powerful, el pisterísimo “Wow”, que me hace pensar por que será que en un país tan homofobico como Argentina solo se puede escuchar a Kylie en boliches gay, y no en forma masiva. Existen pasajes tranquilos en el disco, como “No More Rain” y “All I See”, que sirven como momento de relax previo al full dance que sigue a posteriori.

¿Es este el “Confessions On A Dancefloor” de Kylie Minogue? Las comparaciones son odiosas, pero inevitables. Aun siendo así, el concepto es otro aunque Kylie haya recurrido a bases tan mundialmente conocidas como lo hizo Madonna en el “Confessions”. Y logró un disco bailable de primer nivel, un dignísimo regreso para alguien que en realidad nunca se fue.

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25/01/2008

Music Corner nº 110 - British Sea Power

2008-01-18T11:22:00.000-08:00

Recuerden las calificaciones: 5A Lujuria, 1A Penuria

BRITISH SEA POWER – DO YOU LIKE ROCK MUSIC? (2008)
Calificación: AAA

Comparados en varias oportunidades con Joy Division, British Sea Power es un cuarteto indie inglés formado a comienzos de esta década con una marcada inspiración post punk que ha evolucionado desde su álbum debut “The Decline of British Sea Power” (2003), para devenir en un sonido mucho mas directo y accesible en este último disco, “Do You Like Rock Music?”.

Este es otro álbum conceptual, al igual que los anteriores. El primer álbum fue un derroche artístico de líricas que mezclaban historia checa, literatura rusa y grandes influencias de nuestros tiempos. El segundo disco “Open Season” (2005) seguía la misma línea en la temática, aunque musicalmente deslumbraba con sus arreglos de cuerdas y vocales. Esta tercera producción se aparta del sonido introspectivo más asimilable a los primeros discos de Echo & The Bunnymen (o para compararlo con bandas más actuales, Interpol), sin dejar de lado ciertas ambientaciones épicas. El disco tiene altibajos, es de reconocer, pero son mas los altos, y esta irregularidad tiene más que ver con el deslumbrante transcurrir de los 5 primeros tracks más que con la calidad de los últimos. El single “Waving Flags” es representativo no solo de los climas logrados, sino de las letras poco ortodoxas (“You are astronomical fans of alcohol / So welcome in”, comienza diciendo...). Pero vale destacar otros highlights como “Lights Out For Darkier Skies”, con su brit rock tan actual y sonido tan característico que comparte con otras bandas como Bloc Party o The Rakes; “Down On The Ground”, esta vez más pop y asimilable a Snow Patrol; “The Great Skua”, con su sonido más grave y ambientaciones grandilocuentes tipo Sigur Ros (aquella banda islandesa de culto); o el tranquilo y recomponedor “Open The Door”, que bien podría ser el perfecto mix entre Teenage Fanclub con Belle & Sebastian.

Una buena continuación en la carrera de una banda que sigue prometiendo. Si bien en “Do You Like Rock Music?” BSP no se luce con aquellos pasajes neo psicodélicos que supieron decorar producciones anteriores, el espíritu está presente.

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18/01/2008

Music Corner nº 109 - Radiohead

2007-12-07T09:56:00.000-08:00

Recuerden las calificaciones: 5A Grandioso, 1A Penoso

RADIOHEAD – IN RAINBOWS (2007)
Calificación: AAA

Con la existencia de internet, muchos artistas han explorado nuevas formas de llegar a su público más allá del material disponible a la venta en disquerías. La distribución on line es la opción elegida por Radiohead para difundir este tan esperado nuevo material, tras la recisión del contrato con su anterior discográfica.

El séptimo disco de una de las bandas inglesas más innovadoras en la década del ’90 se puede bajar tanto de manera gratuita como paga en la página oficial del disco, algo que en paises como Argentina no se entendería facilmente ¿quién pagaría por algo que se puede tener gratis? De todos modos, las ventas anduvieron bien y los charts no dejaron de responder a “In Rainbows”. El álbum incluye varios de los temas que Radiohead ya venía tocando en su tour 2006, como “Bodysnatchers”, “15 Step” (reminiscencia de lo mejor de “Kid A”) u “All I Need” (la joya más destacable del disco), con esa melancolía tan impregnada y propia de “OK Computer” (1998), en cuya gira ya se escuchó “Nude”, otro de los temas aquí incluidos. Algunos otros temas ya tocados en giras pasadas fueron incluídos en este álbum, pero renombrados, como “Weird Fishes” o “Jigsaw Falling Into Place”. No puede dejar de notarse, por cierto, que no es mucho el material verdaderamente nuevo en este disco, y que un verdadero fan que se molesta en conseguir material de las giras, puede tomar esto como una recopilación de rarities. Pero, para el oyente no tan fiel, es un nuevo disco de Radiohead y así es como lo consideraremos. La versión deluxe que acaba de salir a la venta (siempre por internet) incluye un disco doble de vinilo, un libro, 8 bonus tracks y 2 CD’s.

¿Movida anti comercial, o marketinera al máximo? Podría interpretarse de ambas formas. Más allá de cual sea el modo que haya llegado, “In Rainbows” ya está a disposición de todos aquellos que esperaban con ansias algo nuevo de Radiohead. Y desde lo estrictamente musical, el disco es muy bueno y nos conecta por momentos con el Radiohead de mediados de los ’90.

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7/12/2007

Music Corner n° 108 - New Power Tango

2007-10-25T20:36:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Genial, 1A Trivial

NEW POWER TANGO – MOONLIGHT (2007)
Calificación: AAA

La recorrida que nos lleva a New Power Tango comienza con el reconocido creador del tango electrónico, Sergio Bermejo (alias Malevo), quien ya venía innovando en este estilo hacia 1997. Tras años de buscar un lugar para este nuevo género, Malevo logra en 2004 lo que podríamos considerar el pico de su carrera cuando, de la mano de su nuevo socio Christian Ale, pone en la calle “Evolution Tango” bajo el nombre de Malevo Sound Project. Luego de otro disco (“Otario”, 2005) el dúo se separa y la posta queda en manos de Christian Ale, quien junto a Mariano Rubistein conforma New Power Tango.

“Moonlight” es un disco que en muchos países cae bajo el paraguas de la llamada World Music, y que algunos medios asiáticos (donde ha sido un éxito de ventas) han catalogado erroneamente como jazz. Lo cierto es que este disco pretende rescatar distintas mixturas y ambientaciones relacionadas con la música ciudadana de la Capital argentina. Y desde el texto en el libro interno del cd, Christian Ale busca explicar parte de estas sensaciones. En “Buenos Aires Moonlight” ya intenta captarse esta melancolía y dramatismo propias de la gran ciudad. “Submundo”, que en países como Corea fue elegido como tema de difusión, es una mezcla de milonga, candombe y drum & bass. “Summer Tear” es probablemente el tema mejor logrado, donde se percibe una mezcla del tango con el soul. “Dreamz” es uno de los momentos más armoniosos y cálidos del álbum. En “Bajo el invierno”, la base trip hop es acompañada por un bandoneon que llora lo triste de un crudo invierno. Y para recordar que el tango no solo es melancolía sino también baile, “Abasto, 3 AM” refleja un pequeño viaje en un día lluvioso hacia un lugar de baile under. Para cerrar, el disco toma definitivamente las pistas a través del clásico de Luis Rubistein “Inspiración”, en una versión remezclada al estilo trance.

La sociedad entre Christian Ale (heredero directo del creador del tango electrónico) y Mariano Rubistein (nieto de una gloria del tango clásico) no podía tener algo menos que un gran resultado. “Moonlight” es otro disco de esta movida reconocida en todo el mundo y que continua abriendo las puertas a nuestra música más representativa, la que curiosamente, no tiene la llegada que debería tener en Argentina.

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25/10/2007

Music Corner n° 107 - Eddie Vedder

2007-09-29T15:24:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Magnífico, 1A Terrorífico

EDDIE VEDDER – INTO THE WILD (2007)
Calificación: AAAA

Todos bien saben ya que los chicos de aquella movida de Seattle de los ’90 son amigos de la casa, y particularmente somos bien predispuestos al material editado por el “chico” de la voz cavernosa, Eddie Vedder. En este caso, bajo la excusa de una banda de sonido, el buen Eddie se da la oportunidad de lo que podría considerarse su primer long play como solista, si bien ya tiene varios temas sueltos editados en esta condición. En esta oportunidad, con el fin de ambientar una película basada en el best-seller homónimo sobre la vida de Chris McCandless (y dirigida por Sean Penn).

Lejano al perfil que lo ha hecho famoso a través de su banda madre, Eddie Vedder compila en esta oportunidad una serie de composiciones con un tinte más cercano al folk que a los agresivos refunfuños a los que nos tiene acostumbrados en Pearl Jam. Considerando que los álbumes más furiosos y socialmente contestatarios de dicha banda son los primeros y en posteriores producciones han sabido dar otros coloridos, Eddie parece inclinarse ahora a reencuadrar su aspecto más melancólico sin caer en lo parco. Y no hay grandes secretos: son canciones en su mayoría cortas (un promedio de 2 minutos y medio por tema) pero altamente efectivas. Lo más pearljamero del disco se encuentra en tracks como “Setting Forth”, “Far Behind” o uno de los mejores temas en la carrera de Eddie “Hard Sun”; lo más folk puede encontrarse en canciones simples como “Rise” o “Society”. Y tal vez viendo la película se entiendan interludios como “The Wolf”, que por su condición de tales no dejan de aportar melodías y despliegues vocales interesantes. Lo que sorprende es que otros artistas que han tardado (como Eddie Vedder) 15 años o algo parecido en cortar un cordón umbilical, no logran resultados tan destacables como este disco sí logra. Aquí si se puede decir que algunas cosas se ponen mejor con los años.

En menos de media hora, esta banda de sonido logra lo que muchos no logran en toda una trayectoria. “Into The Wild” es una banda de sonido con excelentes canciones y la voz de Eddie Vedder en uno de sus momentos más logrados, redondeando un muy buen producto final. Para los fans: se ha editado una “deluxe versión” que incluye 4 temas más.

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28/09/2007

Music Corner nº 106 - Dolores O'Riordan

2007-08-31T10:07:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Maravilloso, 1A Defectuoso

DOLORES O’RIORDAN – ARE YOU LISTENING (2007)
Calificación: AAA

A propósito de la reciente visita de Dolores O’Riordan a nuestro país con motivo de la presentación de su primer álbum solista, bueno es el momento para echar una mirada a este trabajo y definir si la cantante irlandesa tiene algo novedoso que ofrecer o solo es una prolongación del material de la banda que la hizo conocida.

“Are You Listening” es una producción de Youth (U2, The Verve) y tal vez eso es lo que en algún aspecto da un toque retro, que no deberíamos malinterpretar como una mera reproducción ¿o si?. Las guitarras estruendosas y los ritmos forzados de batería en tracks como “When We Were Young”, “Stay With Me” o “In The Garden” no pueden menos que reflejar viejos temas de The Cranberries en su fasceta más rockera, como “Salvation” o “Zombie”. Ni mencionar los típicos coritos tipo “chu chu churu” ya escuchados largamente en clásicos como “Ode To My Family”, pero que a esta altura pueden tomarse como un sello personal de la versátil Dolores, con ese tinte melodramático que ella tan bien sabe imponerle a sus entonaciones. No faltan los pasajes altamente rítmicos como “Loser”, o los arrebatos de melancolía en “Apple Of My Eye” o el excelente corte de difusión “Ordinary Day”, ambos temas a cargo de algunas de las líricas más destacables a lo largo del disco y que envuelven cuestiones de la vida familiar de O’Riordan. El disco tiene esos condimentos y ambivalencias tan propios de la artista: por momentos rockera y con una voz que permite reflejar instancias desgarradoras (como en “October” o “Stay With Me”), por momentos dulce y susurrante (como en “Angel Fire” u “Ordinary Day”), o texturas mixadas (como en “Black Widow”).

La conclusión es bastante obvia: Dolores O’Riordan no se esfuerza en ofrecer mucho más de lo que largamente ha demostrado con su banda madre. Esto, por supuesto, no deja de ser altamente satisfactorio para los amantes de su tan distinguible voz, y resulta más que suficiente para los fans de The Cranberries. Misión cumplida.

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30/08/2007

Music Corner nº 105 - Fall Out Boy

2007-07-31T07:28:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Esplendoroso, 1A Catastrófico

FALL OUT BOY – INFINITY ON HIGH (2007)
Calificación: AAAA

Fall Out Boy ha sido una banda en constante crecimiento desde sus inicios a principios de la década. Tras el álbum que los lanzó a la fama, “From Under The Cork Tree” (2005), los cuatro chicos de Chicago continúan una carrera de éxitos con el debut en el número uno de Billboard del actual “Infinity On High”, un disco que en poco tiempo certificó platino en su país de origen.

Habiéndose identificado con el sonido pop-punk al estilo de otras bandas del género como My Chemical Romance o Lostprophets, FOB parece inclinarse en esta oportunidad a un sonido más accesible y más emparentado al rock. Podría explicarse este cambio de sonido por la producción de Neal Avron y... Babyface. El primer single “This Ain’t A Scene, It`s An Arms Race” es una buena muestra de la buena dosis de riffs y ganchos que vamos a encontrar a lo largo de los 15 tracks. Y es fantástico el manejo de los climas que se van generando a lo largo de la producción: del algo metalero “Thriller”, con sus guitarras y batería marcadas (y Jay-Z como invitado), pasando por el más liviano y pegadizo “The Take Over, The Breaks Over”, para llegar a la crítica anti-armamentista de “This Ain’t A Scene...” (que bien podría incluirse en la banda de sonido de la película “Lord Of War”, ja!), es un pasaje destacable. La dulce melodía y estribillo de “I’m Like A Lawyer...” (un título cuya longitud no se ve desde aquel disco de Meat Loaf...) es además una armoniosa demostración vocal de Stump, al igual que “Golden”, el primer momento tranquilo del disco. Se suceden los temas pegadizos con “Hum Hallelujah”, “The (After) Life Of The Party” o “Fame < Infamy”, pero el otro gran hit que brilla es “Thnks Fr Th Mmrs”.
Si bien no se destaca nada notorio en las letras de los temas, sí puede notarse un mejor trabajo del cantante Patrick Stump respecto a trabajos anteriores.

Un disco recomendable para cualquiera que deguste el pop-rock pegadizo con un tinte algo áspero, “Infinity On High” cumplirá muy bien con las pretensiones de las radios indie en otras partes del mundo. Y Fall Out Boy logra con este disco mantener un gran nivel y las expectativas en alto.

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29/07/2007

Music Corner n° 104 - The Arcade Fire

2007-06-28T20:52:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Grosso, 1A Espantoso

THE ARCADE FIRE – NEON BIBLE (2007)
Calificación: AAAA

En el arte de “ser retro”, existen múltiples posibilidades. Y dentro de estas, estereotipos muy sobreinvestidos. Ya sabemos que los ’80 fueron años prolíferos musicalmente hablando, y muchas bandas se retraen a producciones de aquella época para identificarse, pero ¿Cuántas bandas conocemos que mezclen sonidos como los de Bruce Springsteen, The Hooters o el mismísimo Bowie, en un mismo acto?

The Arcade Fire es la banda canadiense que logra dicha mezcla poco habitual. Estos artistas pertenecientes al indie folk/rock de aquel país son en general multi instrumentistas, y además de los clásicos instrumentos propios de cualquier banda de rock, encontramos otros como violín, celeste o acordeón. En esta segunda producción, The Arcade Fire cubre las expectativas generadas por su debut “Funeral”(2005) sin reiterarse. Este disco configura un amplio rango de texturas e instrumentos que impiden que el disco caiga en la monotonía aún en sus momentos más introvertidos. Arranca con el tema “Black Mirror” de un neto corte Bowie, para continuar con el single “Keep The Car Running” y culminar una primera parte con el downbeat de “Neon Bible”. Para continuar, el tremendo “Intervention” con su lírica de corte anti-Bush y tal vez referido al nacionalismo canadiense, el tranquilo “Ocean of Noise” casi ambiental, y un cierre de la segunda parte con el muy Bruce Springsteen & The E.Street Band que representa “(Antichrist Television Blues)”, un tema que bien podría pertenecer a aquel clásico de los ’80 llamado “Born In The U.S.A.”. Para ir terminando un álbum relativamente corto, vale destacar otro hit llamado “No Cars Go”, cargado de emoción en todas sus partes. Solo 11 temas, pero todos bien aprovechados.

Este álbum es, al fin, un verdadero aporte a la música contemporánea. “Neon Bible” es una producción que hace la diferencia ya desde la primera escuchada. Difícil saber, eso si, si The Arcade Fire seguirá por esta senda en el futuro. Por lo tanto, aprovechemos este presente.

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28/06/2007

Music Corner nº 103 - Manic Street Preachers

2007-04-27T11:01:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Excelente, 1A Horrible

MANIC STREET PREACHERS – SEND AWAY THE TIGERS (2007)
Calificación: AAAAA

La carrera de los Manic Street Preachers fue en constante ascenso desde la edición de su primer álbum “Generation Terrorist” (1992) hasta hoy. Aquella primera producción no permitía prever un futuro tan fértil para el actual trío de Gales, pero lo tuvieron. Y superar discos como “Everything Must Go” (1996) o “This Is My Truth...” (1998) parecía imposible, pero lo lograron.

Con “Send Away The Tigers”, James Dean Bradfield y compañía alcanzan picos insospechados que reflejan la imagen de un grupo sin desgaste ante el paso de los años. Se resume aquí lo mejor y lo más clásico de los Manic: en el riff de “Send Away The Tigers”, en la cadencia de “Indian Summer”, o en los coros épicos de “The Second Great Depression”, solo por mencionar algunos ejemplos. Con la recomendación de siempre tener mucho cuidado con las letras y su retórica política, este disco es musicalmente impecable. No hay desperdicios. Abre con el puro rock fantástico del track “Send Away The Tigers”, un tema con un riff moldeado en “Ready For Drowning” de “This Is My Truth...”. El segundo track “Underdogs” es un tema “for the freaks” con una guitarra más del estilo “The Holy Bible” (1994). El tercer track y primer single “Your Love Alone” es un hit comercial sin otro fin más que entrar en las radios, con la voz de Nina Persson (The Cardigans) como invitada. “Indian Summer” es un tema que debió estar en “Everything Must Go”, un simil “A Design For Life”, imperdible. Si tuviera que pensarse en un segundo corte, “Autumnsong” sería el gran candidato, con esa introducción de guitarra tan “Sweet Child O’Mine” y una canción perfecta en todas sus líneas. Todas las guitarras que no estuvieron en “Lifeblood” (2004) se encuentran aquí. No falta lugar para algo más rockabilly como “Imperial Bodybags”, y un cierre glorioso de la mano de “Winterlovers”, el “If You Tolerate This” del disco pero con guitarras más arriba. El hidden track bien podría ser un tema de Johnny Cash, lo que no está mal y además ¿qué más se puede pedir?

Que una banda con 16 años de vida, 8 albumes editados y reconocimiento mundial se mantenga a la altura de sus mejores discos, es una noticia que no se da con frecuencia. “Send Away The Tigers” es simplemente Manic Street Preachers en su pico más alto. Ya tenemos un primer candidato a disco del año.

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27/04/2007

Music Corner nº 102 - Brett Anderson

2007-04-13T06:44:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Maravilloso, 1A Defectuoso

BRETT ANDERSON – BRETT ANDERSON (2007)
Calificación: AAA

No es un buen augurio la edición de un disco solista de Brett Anderson si lo analizamos desde el punto de vista de que la continuidad del proyecto The Tears, que juntó nuevamente en un estudio al susodicho con Bernard Butler, seguramente será una utopía. El álbum de The Tears (2005, Music Corner nº94) supo revalidar aquellas razones que convirtieron a Suede en una de las mejores bandas de la escena brit pop de los ’90. Pero ahora, aquel resurgimiento fue solo el canto del cisne.

¿Por qué? Porque este álbum de Brett Anderson solo puede, de buscar un paralelismo, compararse con “A New Morning” (2002, Music Corner nº52). “A New Morning” es considerado por muchos el peor album de Suede, no porque sea malo, sino porque no alcanza el alto nivel de las producciones anteriores del grupo. Pero tal vez podemos encontrar una lógica explicación si disociamos al Brett Anderson actual del de Suede de “Dog Man Star” o por supuesto “Coming Up”. Brett ha crecido, y es natural que no haga las mismas cosas que hacía 10 o 15 años atrás. Repasemos un poco el disco. El primer single y apertura, “Love is Dead” es una balada potente y emotiva, y una buena primera impresión de lo que será al álbum. “One Lazy Morning” (un mix de títulos de Suede, para los conocedores) es un lento agradable como serán muchos otros tracks como “Scorpio Rising” o “The Infinite Kiss”. Y existe algún mid tempo casi desubicado como “Dust & Rain”. Desde ya, el aire melancólico del álbum puede sonar deprimente para algunos, pero tal vez ese sea el momento de focalizar en las letras y la voz de Brett... lo que puede ser un arma de doble filo, advirtamos! Algunos títulos como “Love is Dead”, “Song For My Father” o “To The Winter” ya son bastante elocuentes. Ejemplo: “Nothing ever goes right / nothing really flows in my life / No one really cares if no one ever shares my care…”(de “Love is Dead”).

Con un álbum que denota un paso hacia la madurez artística, lo que Brett Anderson ha ganado en confianza lo ha perdido en frescura. El primer album solista del ex cantante de Suede será seguramente más apto para un ranking adult contemporary británico que para las radios adolescentes. Con todo lo bueno y lo malo que esto represente.

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12/04/2007

Music Corner n° 101 - Kaiser Chiefs

2007-04-02T14:35:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Magnífico, 1A Terrorífico

KAISER CHIEFS – YOURS TRULY, ANGRY MOB (2007)
Calificación: AAA

El álbum debut de Kaiser Chiefs “Employment” (2005) fue un himno a la alegría en su momento. La actitud jocosa y desprejuiciada de estos muchachos pertenecientes a una nueva camada de bandas entre las que se encuentran Franz Ferdinand, The Futureheads o The Ordinary Boys se caracterizó por la introducción de temas gancheros y bien radiales, que llevaban la clara intención de inducir al pogo y la diversión.

Habiendo logrado el éxito masivo con hits como “I Predict a Riot” o “Everyday I Love You Less and Less”, la intención de Kaiser Chiefs es repetir su fórmula en “Yours Truly, Angry Mob”. De entrada, el disco castiga con el nº1 “Ruby”, y es un comienzo inmejorable, pero las piezas gancheras se suceden una tras otra: “Heat Dies Down”, “High Royds”, “I Can Do Without You”... todas melodías alegres, pegadizas y fiesteras (al estilo británico, obviamente). En general, las influencias de los Kaiser Chiefs vuelven a quedar bien a la vista: algo de Blur por aquí, un poco de Madness por allá, y la similitud con bandas actuales como las mencionadas en el párrafo anterior. “The Angry Mob” es un tema onda Ordinary Boys dividido en 2 secciones notorias; “High Royds” viene con el clásico coro psicodélico propio de exponentes como los Super Furry Animals o bandas post punk como The Hives; “I Can Do Without You” es algo más Morrissey musicalmente hablando. Como vemos, un interesante crisol de influencias. Destaca además un lento con pasta de hit llamado “Love is Not a Competition”, como potencial single. Pero, la mala nota viene por el lado de la escasa novedad: todo esto ya podía percibirse en “Employment”, y da la impresión que los Kaiser Chiefs no han hecho más que repetir. Sí, el resultado ha sido muy bueno, pero dificilmente las segundas partes superan a las primeras.

Por lo tanto, “Yours Truly, Angry Mob” es un álbum que disfrutarán mucho más quienes no conocieran el disco previo de Kaiser Chiefs. Para quienes esperaban con ansias esta nueva producción, habrá un primer momento de éxtasis que seguramente decaiga con prontitud.

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1/04/2007

Music Corner n° 100 - Mika

2007-03-22T16:13:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Glorioso, 1A Penoso

MIKA – LIFE IN CARTOON MOTION (2007)
Calificación: AAAA

¡Al fin, la próxima vez que nos pregunten si conocemos algún artista del Líbano, tendremos un nombre para dar! Nacido en Beirut bajo el nombre de Mica Penniman, Mika es hijo de padre norteamericano y madre libanesa, pero pasó la mayor parte de su infancia en París antes de su despertar musical en Londres. Allí completó su formación vocal siendo parte del Royal Opera House y estudiando en el Royal College of Music.

Pues después de saber esto, no es precisamente un pop bailable como el de “Life in Cartoon Motion” lo que hubieramos esperado! Pero bienvenido sea. El éxito masivo llegó a la vida de Mika gracias al single nº1 en Inglaterra “Grace Kelly”, un hit que una vez que entra dificilmente pueda despegarse de la cabeza, y con una letra donde Mika deja clara esa personalidad que de pequeño lo hizo sentir tan sapo de otro pozo en South Kensington. La letra versa: “I try to be like Grace Kelly / But all her looks were too sad / So I try a little Freddie / I’ve gone identity mad!”. Que Mika sea gay es a esta altura un dato menor, lo importante es el humor con el que lo encara (“Do I attract you, do I repulse you with my queasy smile?”), y una letra imperdible en este sentido es “Billy Brown”, la historia de un hombre de familia standard con 2 hijos, un perro, una mujer celosa y un amante homosexual, que deja todo atrás para irse a vivir a una isla donde la historia continúa... Dejando a un lado las tan recomendadas líricas, el aspecto musical del álbum es ligero, entrador y muy a la moda. Aquí nos referimos, principalmente, al obvio parecido con Scissor Sisters, uno de los grupos más exitosos hoy en día en Europa. Las semejanzas (por no decir copias) pasan por varios temas del disco, como “Love Today”, “Big Girl” o “Stuck in the Middle”, este último practicamente un plagio al piano de “Laura” de los Scissor. Evidentemente, las influencias son las mismas: mucho dance, y música disco con orquestación a tono. Pero hay más: las tocantes baladas “My Interpretation”, todo un homenaje al brit pop (particularmente desde un punto de vista muy Robbie Williams), y “Any Other World”. La producción se caracteriza por su aire divertido, fresco y ritmo pegajoso.

En resumen, brillante música pop desprejuiciada. “Life in Cartoon Motion” es bueno para un público con ganas de bailar, o bien para levantar el ánimo en un mal momento.

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22/03/2007

Music Corner n° 99 - The Fratellis

2007-03-16T23:26:00.000-07:00

Recuerden las calificaciones: 5A Letal, 1A Muy mal

THE FRATELLIS – COSTELLO MUSIC (2006)
Calificación: AAAAA

Recientes ganadores del Brit Award 2007 al Mejor Artista Revelación, The Fratellis es un trío de Glasgow compuesto por Jon, Mince y Barry Fratelli. Sus influencias claramente se retraen a los comienzos de la movida brit pop de los ’90, identificándose más con el estilo de Blur en “Modern Life Is Rubbish” (1992) o el más reciente “The Great Escape” (1995), lo que indirectamente nos remite a Madness.

Pero el álbum debut de The Fratellis tiene otra referencia mucho más reciente, basicamente por su actitud fresca, alegre y desprejuiciada: el destacable “Brassbound” (2005) de los Ordinary Boys, solo que con algún toque de fuerza adicional en sus arrogantes riffs de guitarra que podría (con reparos) compararlos con los Arctic Monkeys. Este comentario es válido tanto para la parte musical como la lírica. La apertura con el segundo simple del álbum, el hit “Henrietta”, es un buen ejemplo, y ni lerdos ni perezosos, el mismo comentario es válido para temas como “Chelsea Dagger”, “Flathead” o “Country Boys”. “Henrietta” es una divertida proposición de unos chicos fiesteros a una joven mujer casada para que deje atrás una vida sin emociones a cambio de la propuesta nada mojigata de nuestros amigos Fratellis. “Chelsea Dagger” es el típico estribillo que en Argentina podría usarse con tremenda efectividad como base para cualquier cantito de cancha, y junto con “Whistle for the Choir”, de lo más melancólico del disco y con una letra “romántica” al estilo Fratellis (“So if you’re lonely / why’d you say you’re not lonely / oh you are a silly girl, / I know I hurt it so...”), podríamos decir que son los 2 mejores temas. Pero no por muy lejos. “Baby Fratelli”, otro destacadísimo, debe su letra probablemente a lo que ellos describirían como una chica Fratelli (imaginen), pero hay más: de los 13 tracks del álbum, difícilmente haya alguno que no sea pegadizo.

Ante todo, es digno destacar que “Costello Music” es una producción ideal para disfrutar en las pistas de baile de otras latitudes, aunque en el ámbito local es perfectamente válido para una fiesta descontrolada con amigos, o al menos varios de sus temas encajarían en dicho escenario. En resumen, un debut promisorio que arroja luz sobre el futuro del brit pop/rock. Divertido... y algo salvaje.

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15/02/2007